marcados por el cine

Cometas en el cielo nos cuenta la historia de amistad entre Amir y Hassam, dos niños afganos. La compenetración entre ambos verá su punto álgido en una competición de cometas que se organiza en kabul, la capital afgana.

Esta amistad se verá truncada por un terrible suceso acaecido la tarde de la competición.

Como las desgracias nunca vienen solas, Afganistán es ocupada por Rusia ( invasión acaecida en 1979). Amir y su padre Baba deciden marcharse a EEUU; de no hacerlo correrían peligro sus vidas ya que de todos es sabido la animadversión que siempre ha profesado Baba hacia el comunismo.

Llama poderosamente la atención la frase que pronuncia Baba ante su mejor amigo antes de partir hacia USA:

-Volveremos cuando los rusos se hayan ido   -Dice Baba.

- ¿ Y si no se van?  -contesta el amigo

- Se irán. Este pais no es amable con los invasores  -Sentencia Baba de forma lapidaria.

Una vez asentados en América del norte Baba y Amir terminan prosperando como comerciantes; e incluso Amir logra doctorarse en medicina aunque sin intención de ejercer como médico ya que su pasión es ser escritor.

Amir no es completamente feliz ya que la forma en que se separó de Hassam, su amigo del alma, le dejó profundamente marcado. La vida siempre da una segunda oportunidad, y cuando esta le cae en las manos a Amir, no la desaprovechará, logrará quitarse el lastre que lleva en su alma y consumará una bonita redención.

La banda sonora de este filme, compuesta por el español Alberto Iglesias, tuvo una nominación a los Oscar.

Recomendaría a los mandamases de los gobiernos aliados ( que mediante la OTAN desarrollan misiones militares en Afganistán a través del ISAF -Fuerza Internacional de Asistencia para la Seguridad) el visionado de esta película y que analizaran detalladamente la frase: Se irán. Este pais no es amable con los invasores.

Incluso el gran conquistador Alejandro Magno, en el siglo IV a.C, tuvo grandísimos problemas militares en este sinuoso y rocoso pais; no le quedó más remedio que utilizar la diplomacia y tuvo que casarse con Roxana, hija de un importante jefe Bactriano, para poder gobernar más o menos tranquilo en Afganistán.

"Cometas en el cielo"

TÍTULO ORIGINAL :"The kite runner"

AÑO: 2007

DURACIÓN: 122 min

PAÍS: USA

DIRECTOR: Marc Forster

GUIÓN: David Benioff (Novela: Khaled Hosseini)

MÚSICA: Alberto Iglesias

FOTOGRAFÍA: Roberto Schaefer

REPARTO: Khalid Abdalla, Ahmad Khan Mahmidzada, Zekeria Ebrahimi, Saïd Taghmaoui, Atossa Leoni, Homayon Ershadi

PRODUCTORA: DreamWorks Pictures / Sidney Kimmel Entertainment / Participant Productions

Crítica de Pablo Serrano

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Buena película con un final espectacular, pero............

Este filme hubiera pasado a la historia del 7º arte si Hitchcock hubiera tenido más cuidado en muchas de las escenas: hubiese dotado de más credibilidad a las constantes fugas del protagonista y hubiera impregnado de más agresividad a los personajes, sobre todo a los espías, ya que parecen sacados de una película de disney. ( Lo volvió a hacer en "Con la muerte en los talones" para mi una de las peores películas de Sir Alfred Joseph Hitchcock en cuyas antípodas se encuentra "Frenesí" ). Hasta el personaje interpretado por "Robert Donat" sonríe cuando la situación dramática no lo sugiere. A nadie se le ocurriría sonreir si es llevado contra su voluntad, por caminos sinuosos, llenos de páramos y en la oscuridad de la noche, por unos delincuentes.

Lo bueno de toda la controversia sobre la ingenuidad del maestro del suspense para con sus guiones era reconocida por él en el libro "El cine según Hitchcock" de Francois Truffaut.

En ese libro de entrevistas sale a relucir este tema:
François Truffaut:
Viendo de nuevo su versión de 39 escalones me he dado cuenta de que, más o menos por esa época, empezó usted a maltratar sus guiones, quiero decir a no tener en cuenta la verosimilitud de la intriga o, en todo caso, a sacrificar constantemente la verosimilitud en beneficio de la emoción pura.

Alfred Hitchcock :
No filmo nunca un trozo de vida porque esto la gente puede encontrarlo muy bien en su casa o en la calle incluso delante de la puerta del cine. No tiene necesidad de pagar para ver un trozo de vida. Por otra parte, rechazó también los productos de pura fantasía, porque es importante que el público pueda reconocerse en los personajes. Rodar películas, para mí, quiere decir en primer lugar y ante todo contar una historia. Esta historia puede ser inverosímil, pero no debe ser jamás banal.

Crítica de Pablo Serrano

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Tony Scott ( hermano de Ridley Scott) tuvo su bautismo cinematográfico como director con " El Ansia" y su resultado no pudo ser más brillante.

"El Ansia" no es una película de vampiros al uso; aporta savia nueva a este recurrente y esgrimido género. A pesar de estar rodada en 1983 la fuerza de esta película sigue vivita y coleando y al igual que Miriam Blaylock ( personaje intemporal interpretado por Catherine Deneuve ) parece un filme que no envejece con el paso de las décadas.

Ambientada en el New York de la década de los 80" El Ansia" es una cinta de terror fresco y refinado donde el trío de ases formado por Catherine Deneuve, David Bowie y Susan Sarandon hacen unas selectas, precisas y memorables interpretaciones.

Uno de los elementos que no cambia con " El Ansia" es la belleza, fascinación y seducción de que suelen hacer gala los vampiros, así como de su perturbación, angustia y tormento que denotan al saberse inmortales.

Miriam ( Catherine Deneuve ) y John ( David Bowie ) forman una pareja de sofisticados vampiros que pululan por las discotecas de New York en busca de potenciales victimas. A causa de una especie de progeria John empieza a envejecer de manera fulminante; es entonces cuando la doctora Roberts, especialista en geriatría ( Susan Sarandon ) entra en acción. El triángulo amoroso está servido. A destacar la secuencia lésbica realizada por las dos protagonistas femeninas y, también, el cameo que realiza Willem Dafoe.

Crítica de Pablo Serrano

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En la crítica que realicé de la película "Fascinación", de Brian de Palma, di un pequeño tirón de orejas a Javier Ocaña porque este señor afirmó que de Palma copió a Hitchcock en esa cinta. Ahora dice textualmente, en su crítica realizada en el periódico" El Pais", ¿ qué casualidad, verdad? : "Bella es una porquería de película, que pretende tocar la sensibilidad del espectador a través de los métodos más rastreros, además de ser reiterativa, melindrosa y profundamente embustera." A mi juicio, estas palabras parecen, más bien, una rabieta política ya que " Bella" degrada cualquier apología sobre el aborto". La crítica de Ocaña está publicada en el Diario " El Pais", periódico con ideas muy próximas a la izquierda.

Si en mi crítica de Fascinación dije que eras un crítico cinematográfico con una supuesta falta de rigor, ahora, después de decir lo que has dicho sobre esta película, lo reitero profundamente. Es más, es mejor que te dediques a otra cosa, porque pienso que el cine no es lo tuyo, chato. Este es un aviso para navegantes ( Lo digo por ti Don Alberto Bermejo). Este señor, crítico del Diario "El Mundo", ha calificado esta película como: "Culebrón sensiblero que inunda y emborrona las imágenes de este relato torpe, incluso confuso, cargado, y cómo, de una infinidad de matices moralizantes".

En mi opinión, ambas críticas, tanto la de Ocaña como la de Bermejo parecen hechas por pseudo-gacetilleros y no por críticos de renombre.

Centrémonos en lo que verdaderamente importa, que es esta maravillosa película.

Para empezar hay que destacar a " METANOIA FILMS" ( fundada por Eduardo Verástegui, protagonista de "Bella") como una productora valiente que centra sus proyectos en películas con mensaje.

La historia de " Bella" trascurre en la ciudad de New York ( probablemente sea la urbe más filmada del planeta ). Manny ( Manny Pérez) es un emigrante mexicano dueño de un lujoso restaurante; José ( Eduardo Verástegui ), su hermanastro, es el cheff principal del restaurante. A causa de unos problemas personales, Nina ( Tammy Blanchard), camarera del restaurante, llega tarde a su puesto de trabajo y Manny la despide. José, ante la injusticia que comete su hermano, decide abandonar su lugar de trabajo y seguir a la chica. Este es el punto de arranque de esta historia en la que los dos protagonistas harán que un día cualquiera se convierta en uno esencial para sus existencias.

José, antes de acabar trabajando como cocinero, estaba a punto de firmar un contrato multimillonario con un equipo de fútbol; pero un accidente truncó su brillante carrera como futbolista y le sumió en un gran ostracismo social. Al decidir seguir a Nina para apoyarla y ayudarla en esos momentos tan duros para ella, ocurrirá, irónicamente, lo contrario; será Nina la que lleve a este hombre a una bonita, fascinante y conmovedora redención.

El director de la cinta ( Alejandro Monteverde) afirma que si quieres que Dios se ría, haz planes. Esa cita hace sabernos que en décimas de segundo nos puede cambiar el rumbo de nuestras vidas sin que podamos hacer absolutamente nada por evitarlo.

Este filme es una obra de arte en si misma que emana una hermosura admirable.

Se la recomiendo a todo el mundo.

 "Bella"

TÍTULO ORIGINAL : Bella

AÑO: 2006

DURACIÓN: 91 min

PAÍS: USA

DIRECTOR: Alejandro Monteverde

GUIÓN: Alejandro Monteverde, Patick Million

MÚSICA: Stephan Altman

FOTOGRAFÍA: Andrew Cadelago

REPARTO: Eduardo Verástegui, Tammy Blanchard, Manny Pérez, Aly Landry.

PRODUCTORA: Metanoia Films

Crítica de Pablo Serrano

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           Hablar del filme " Fascinación" es hablar indudablemente de la película "Vértigo" de Sir Alfred Hitchcock. Brian de Palma no disimula, lo más mínimo, la influencia del mago del suspense en su trabajo y mucho menos niega que "Fascinación" esté inspirada en " Vértigo". Hasta ahí todos de acuerdo; pero decir que Brian de Palma copia a Hitchcock ( Javier Ocaña - crítico de la revista " cinemanía"- ) es un acto, a mi juicio, de falta de rigor.

           "Fascinación" es un referente en el mundo del cine. De Palma inventa con la cámara varías situaciones en las que solo con el plano y el juego de cámara, sin utilizar palabras, dice al espectador lo que quiere contar: tamizado de la cinta para disfrazar dos historias que transcurren en dos épocas diferentes, angulaciones de cámara con planos picados y contrapicados para facilitar más tensión a la escena ( en la parte final utiliza un ángulo descendente con zoom en el que encoge literalmente a la protagonista - Geneviève Bujold- para que esta parezca la niña que fue), giros de cámara de 360º para que irrumpa el lapso de tiempo que existe en la historia, utilización de la cámara lenta para conseguir una emoción realzada, utilización de planos detalle ( el plano detalle del espejo lo realiza después de hacer el giro de cámara de 360º del que hablábamos antes), utilización de lentes focal partidas para conseguir planos anamórficos, ( ver nítidamente todo el plano: lo cercano y lo lejano ), utilización dinámica del espacio, etc. Estos son varios detalles que hacen que Brian, como mucho, homenajee a Hitchcock, pero de plagiarlo o copiarlo, nada de nada.

          Cliff Robertson hace un papel memorable en el que la obsesión por haber perdido a su mujer e hija en un trágico accidente ( el título original de la cinta es "obsession" -creo que no hubiera pasado nada si se hubiera respetado el título original-) se transforma en deseo y fascinación cuando encuentra en Florencia a una joven ( Geneviève Bujold ) que es el vivo retrato de su mujer fallecida. Geneviève Bujold se desdobla en esta película: su cara de niña le fue como anillo al dedo para encarar la interpretación. John Lithgow es una suerte de áncora en la historia.

          La música de Bernard Herrmann, ( compositor asiduo en las películas de Hitchcock ) una buena fotografía, un juego de cámara memorable, (esta película debería ser analizada por los que deseen ser directores de cine),unas buenas interpretaciones y una gran dirección, con una planificación impecable, conforma una historia onírica que seduce al espectador. 

"Fascinación"

TÍTULO ORIGINAL : Obsession

AÑO: 1976

DURACIÓN: 98 minutos

PAÍS: USA

DIRECTOR: Brian de Palma

GUIÓN: Paul Schrader

MÚSICA: Bernard Herrmann

FOTOGRAFÍA: Brian Danitz, Ed Kukla, Michael McDonough

REPARTO: Cliff Robertson, Geneviève Bujold, John Lithgow, Sylvia Williams, Wanda Blackman, Patrick McNamara, Nick Krieger, Stanley J. Reyes

PRODUCTORA: Columbia Pictures

Crítica de Pablo Serrano

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Este cineasta documentalista es un ácido crítico de la sociedad, sobre todo política, de su patria; que se lo pregunten a George Bush. Michael Moore tiene seguidores y detractores a partes iguales. Ganó muchos adeptos cuando se alzó con el oscar al mejor documental en 2002 y en el pequeño discurso al que tienen derecho todos los premiados proclamó estas palabras: somos continuamente bombardeados con una historia ficticia tras otra desde la casa blanca de Bush. Y por eso es importante que los cineastas hagan no ficción, para que todas las pequeñas mentiras puedan ser expuestas y el público pueda informarse. Un público desinformado en una democracia es un camino de éxito seguro para una pequeña o ninguna democracia. Creo sinceramente que a raíz de este mensaje se empezó a cocinar el fantástico filme " Fahrenheit 9/11". De la misma manera, esta alocución le aportó multitud de censuradores; hay editado un libro dedicado al cineasta cuyo título es "Michael Moore es un gordo blanco y estúpido" o una película aún no estrenada titulada " Michael Moore odia América". En cualquier caso, una cosa está clara: el señor Moore es un tipo valiente y comprometido.

"Bowling for Columbine" es una áspera sátira a toda una sociedad ( sobre todo la americana) que hace alarde del derecho a defenderse y, por lo tanto, se siente legitimada para portar armas a diestro y siniestro. El documental empieza con el propio Michael Moore abriendo una cuenta bancaria y llevándose ( obsequio de la entidad ) un rifle. Al final de la peli logra entrevistar a Charlton Heston ( en la mansión del malogrado actor en Beverly Hills): Michael Moore le tiende una encerrona que no tiene desperdicio. Incluso logra entrevistar al controvertido cantante Marilyn Manson. No obstante, el núcleo de la cinta se centra en la masacre ocurrida en  el instituto Columbine en el que murieron 15 personas y otras tantas resultaron heridas, algunas de ellas de gravedad. La pregunta que lanza el cineasta a través del filme es simple a la vez que siniestra, ¿por qué 11.000 personas mueren cada año en Estados Unidos víctimas de las armas de fuego?

Os recomiendo que os hagáis con la cinta porque disfrutareis muchísimo viéndola. Seguro que la veréis más de una vez. 

Crítica de Pablo Serrano

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Un hombre lobo americano en Londres significó todo un logro cinematográfico en algunos aspectos ya que fusionó de forma inteligente una gran historia de licántropos con avispados diálogos, convirtiendo este clásico en una de las mejores películas de terror/comedia que se hayan rodado jamás. Esa equidistancia entre el género de terror y el género de comedia fue el gran acicate de la película. El filme incorporó algo que hasta ese momento había pasado casi desapercibido en el 7º arte: la técnica del maquillaje; tanto es así que la academia de Hollywood no tuvo más remedio que crear, en 1981, el Oscar en este apartado y, como no, fue ganado por " Un lobo americano en Londres". Pudimos ver de forma detallada, espectacular y al detalle, la integral transformación de David Naughton en hombre lobo ( meritorio trabajo de Rick Barker). En esta película no faltan los clásicos elementos del cine de terror tales como: páramos oscuros, lluviosos y deshabitados, siniestras tabernas, personajes un tanto excéntricos, muertos vivientes imperceptibles para los humanos, buenas transformaciones, etc...

Fue tal el éxito de la película que Michael Jackson encargó la dirección del famoso videoclip "Thriller" a John Landis y la elección no pudo ser más acertada ya que el videoclip de Thriller es todo un clásico, además de ser es el disco más vendido de todos los tiempos.

La música del filme corre a cargo de la banda de rock estadounidense "Creedence". 

Crítica de Pablo Serrano

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          Un amigo supercinéfilo ( del libro -1001 películas que hay que ver antes de morir- ha visto más de 800) me prestó un filme titulado -Le grand voyage-: -El largo viaje- en su traducción al español. Y la verdad sea dicha, acertó de lleno. Es un filme que mata dos pájaros de un tiro. Por un lado no enseña el periplo que tiene que hacer todo musulmán, ( siempre que su salud y sus recursos económicos se lo permitan) al menos, una vez en la vida; se trata de llevar a la práctica el quinto pilar del Islam y, este, no es otro que la peregrinación hacia la Meca y la adoración de la Caaba y, por otro lado, también retrata algo más global: la incomunicación entre padres e hijos.

            Esta cinta esboza un viaje que desde Francia , atraviesa Italia; Milán y Venecia, la extinta Yugoslavia, Turquía; Estambul y Ankara, Siria, Jordania y cuyo final es la llegada a la Meca en Arabia Saudita. Es un trayecto en el que un padre y un hijo se desnudan espiritualmente y nos regalan una fábula muy hermosa. Durante el viaje las fuertes personalidades del padre e hijo confrontarán y, de esa fricción, saldrá una unión hijopaternal muy franca. Réda ( encarnado por el actor francés Nicolas Cazalé ) hace el viaje a la Meca, casi, a la fuerza y lo que al principio creía que era un trayecto de lo más absurdo, al final se tornará en comprensión hacia el voto religioso realizado por su padre (Mohamed Majd). Esta película se adentra de lleno en la versión más hermosa del islamismo. El director francés de origen marroquí, Ismael Ferroukhi, ganó con -El largo viaje- el León a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Venecia.

          Filme muy recomendable.

  "El largo viaje"

AÑO: 2004

Crítica de Pablo Serrano

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